Somos presente de los que nos rodean, pasado de los que estuvieron, futuro de los que están por venir. Somos nosotros cuando estamos acompañados y tú del que tenemos enfrente.
Somos libro abierto para unos y el más indescifrable enigma para otros. Alegría, tristeza, esperanza, nostalgia, anhelo, repulsión, realidad y metáfora a la vez.
Somos los libros regalados, las canciones y poemas dedicados, las flores enviadas. Todos, queriendo o sin darnos cuenta, hemos sido y seguimos siendo amor.
Somos el mejor recuerdo que se guarda de nosotros, el beso más tierno que dimos, las palabras de aliento pronunciadas, la sonrisas que repartimos.
A veces más y a veces menos pero siempre somos. Y por hoy, sigamos siendo.
Resulta un gusto para mí colaborar con esta reseña para Cinema Terraza y de este modo invitar a la presentación de la primera película en proyección: Tenemos que hablar de Kevin (We Need to Talk About Kevin, 2011), de la directora escocesa Lynne Ramsay y basada en la novela del mismo nombre autoría de Lionel Shriver, publicada en 2005.
We Need to Talk About Kevinnos narra la historia de Kevin –chico con severos problemas de conducta- en diversas etapas de su vida, y la tormentosa relación que mantiene con su madre, interpretada por Tilda Swinton (La bruja blanca de Narnia), quien asume el papel de la autoridad represora, mientras por otra parte, su padre (papel que corresponde a John Reilly, pareja de Will Ferrell en Step Brothers) resulta la figura blanda y manipulable. Para completar el cuadro está Celia (Ashley Gerasimovich) simpática hermana menor y sobre la que que Kevin ejerce maltrato físico y psicológico.
Las interpretaciones de Jasper Newell y Ezra Miller (Patrick en la reciente Las ventajas de ser invisible) en sus papeles de Kevin niño y adolescente respectivamente son geniales, dotando la personaje de la dosis de perversidad y sabismo necesaria para mantener el ritmo de la trama, la cual tiene un desenlace inesperado y dejará helado al espectador. La cinta recaudó 16 premios en los diferentes festivales en los que participó, y consiguiendo nominaciones tanto Lynne Ramsay a la Palma de Oro (Cannes) a Mejor Director como Tilda Swinton a Mejor Actriz en los Globos de Oro, reflejo de lo bien lograda de la producción y el preciso abordaje de una problemática cada vez más manifiesta en la sociedad: los hijos tiranos.
Tenemos que hablar de Kekin no es una película fácil por la intensidad de las emociones que transmite y provoca, pero es una joya del cine que por encima de intenciones taquilleras y temátias banales vale la pena disfrutar y afrontar el merecido debate sobre la educación de los hijos que despierta.
Hace un par de semanas me propuse buscar y ver las películas nominadas en la categoría a Mejor Documental para la próxima entrega del Oscar en su LXXXV edición, encontrándome entre ellas con 5 Broken Cameras, que por su temática considero oportuno reseñar.
5 Broken Cameras (2011) es narrada completamente por el palestino Emad Burnat, codirector de la película junto al israelí Guy Davidi, y nos ofrece un compendio de las filmaciones que con videocámaras caseras ha hecho desde 2005 que adquirió la primera de ellas con motivo del nacimiento de Gibreel, su cuarto y último hijo. Lo peculiar es que Emad es residente de la población de Bil’in, colindante a la discutida frontera con Israel y en la que en los últimos años se han desarrollado cruentas batallas contra la ocupación israelí de tales terrenos, y mediante sus cámaras ha capturado los difíciles momentos que sus habitantes han sorteando en la incansable lucha palestina deresistencia civil.
El título lo recibe porque a lo largo de los años fueron 5 cámaras las que sucumbieron a los embates de las autoridades israelíes en diferentes escaramuzas, 2 de ellas salvándole la vida al amortiguar disparos dirigidos expresamente contra él. Es en 2009 cuando luego de conocer a Davidi comienza la selección del material y preparación de los guiones para el documental, contando en su recta final con la colaboración de la francesa Veronique La Goard-Segot para la edición. La historia desarrolla los eventos capturados por cada una de las cámaras, que como el mismo Emad señala, encierran etapas diferentes de su vida, en las que se fue incrementando tanto el compromiso como el riesgo de volverse periodista ciudadano, misión que no abandonó aún en los momentos de mayor apremio. A la vez resultamos testigos del crecimiento de Gibreel, y la pérdida de su inocencia al quedar atrapado en escenarios de violencia que ningún padre desearía para sus hijos.
Por tanto, mediante 5 Broken Cameras podemos conocer en primera persona los entretelones de un conflicto social que mantiene sobre él los reflectores de medios de comunicación de todo el mundo, pero con el valiosísimo matiz que se consigue al ser contado por alguien directamente afectado por él, anteponiendo su deseo de volverse portavoz de su pueblo al cuidado de su integridad física. No quiero dejar de largo la sana sorpresa que me provoca que se haya colado a la terna final de documentales nominados cuando es sabido que la comunidad judía mantiene fuerte influencia en la industria norteamericana hollywoodense. En contrapeso, vale mencionar, también se encuentra entre los 5 finalistas el documental The Gatekeepers (2012), que nos acerca la historia del Shin Bet, agencia de seguridad isaelí desde la voz de seis de su exintegrantes.
Sanar es un reto en la vida. Es la única obligación de la víctima. Sanar es resistir a la opresión. Pero cuando estoy herido una y otra vez me olvido de las heridas que controlan mi vida. Las heridas olvidadas nunca sanan, así que filmo para sanarlas.»
Y lo mejor de todo es que 5 Broken Cameras subtitulada en español está disponible en Youtube, subida por una comunidad de amigos de Vittorio Arrigoni (†), activista italiano asesinado en Gaza en 2011.
En una fecha que parecía no llegar, al fin este viernes se estrenó en México de manera comercial la fabulosa película Beasts of the Southern Wild (2012), torpemente titulada para nuestro país Una niña maravillosa. Lo de «fabulosa» pocas veces mencionado de tan atinada manera pues estamos ante la narración de una maravillosa fábula tan bien llevada a la pantalla por Benh Zeitlin (1982) en lo que es su primer largometraje.
La cinta, basada en la obra de un solo acto Juicy and Delicious de Lucy Alibar y adaptada para el cine por ella y Zeitlin, nos acerca a la vida de Hushpuppy (protagonista y narradora de la historia), pequeña de 5-6 años que vive con su padre en un barrio marginal de lo que suponemos Luisiana y el cual al verse azotado por una tormenta termina inundado, evocándonos inmediatamente la tragedia acontecida en la región tras el huracán Katrina.
Los detalles que anteceden a tal evento, el modo de sobrellevar el momento crtítico de la mismo por la pequeña, su refunfuñón y alcoholico padre y los vecinos del barrio, así como la manera de sobrevivir y empezar paulatinamente a reanudar la vida de la comunidad, alejada del asistencialismo gubernamental, son de magistral manera narrados audiovisualmente por Zeitlin, aprovechando el recurso de la imaginación infantil para transformar los hechos duros y crudos y presentarlos al espectador a través de los ojos de la protagonista como digeribles y no por ello faltos de emotividad o realismo. Basta escarbar en nuestros recuerdos infantiles para evocar la manera en la que terminábamos entendiendo tantas cosas de difícil comprensión para ponernos en lo zapatos de Hushpuppy y razonar, sufrir y llenarnos de esperanza junto con ella conforme se desarrollan los acontecimientos.
When it all goes quiet behind my eyes l see everything that made me flying around in invisible pieces. When l look too hard, it goes away. But when it all goes quiet, I see they are right here. l see that l’m a little piece of a big, big universe. And that makes things right».Hushpuppy.
Beasts of the Southern Wild fue exhibida por primera ocasión durante el Sundance Film Festival (enero 2012) y a lo largo del año y su aparición en 25 festivales se volvió acreedora a más de 50 premios y estar nominada en 4 categorías para la 85 entrega del Oscar: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado y Mejor Actriz (siendo Quvenzhané Wallis a sus 9 años la actriz más joven en la historia de estos premios en recibir una nominación), lo cual se traduce en una excepcional acogida tanto de la crítica como de la audiencia, y digna de ser considerada como una de esas cada vez menos afortunadas películas que tienen o tienen que verse.
Julio Cortázar (1914-1984) es sin la menor de las dudas uno de los escritores latinoamericanos más reconocidos del siglo XX no sólo en América sino a nivel internacional. La agilidad de sus escritos así como la habilidad para hilar narraciones que rebasan la linealidad temporal y abundantes de personajes con autonomía y profundidad psicológica le colocan en un nicho especial dentro de la literatura contemporánea, sumado a lo vasto de su producción, que se extiende por casi 50 años -desde fines de la década de los ’30s hasta los primeros años de los ’80s- y abarcando diferentes géneros como el cuento, la novela, el teatro y la poesía.
En atención al 29 aniversario de su fallecimiento comparto esta reseña sobre 10 películas filmadas a partir de relatos de Cortázar, podríamos considerarlas de manera subjetiva como las más destacadas, si bien es posbile conocer en IMDB el repertorio completo de películas, cortos y programas para tv que han utilizado como fuente e inspiración para su realización la prolífera obra del eternamente recordado escritor argentino.
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LA CIFRA IMPAR. Manuel Antín – Argentina 1962
Basada en Cartas de mamá, relato publicado por vez primera en 1959 dentro del libro de cuentos Las armas secretas. Narra la historia de un hombre que se casa con la novia de su hermano menor y huye con ella a París; tras la muerte de éste la madre les envía cartas vaticinando la visita de su hijo difunto. Reconocida por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina con el Cóndor de Plata al Mejor Director uno año después de su estreno.
CIRCE. Manuel Antín – Argentina 1964
Basado en el relato del mismo nombre publicado en Bestiario (1951), primer libro de cuentos del escritor argentino y considerados por él como autoterapias de tipo psicoanalítico. Se nos relata la historia de un hombre enamorado de una mujer (Circe, emulando al personaje de la mitología griega), unos años mayor que él y con mala reputación debido a la muerte repentina de sus dos novios anteriores, que consigue entrar en su vida y develar sus enigmas. Para este film el mismo Cortázar se encargó de la adaptación del guión.
INTIMIDAD DE LOS PARQUES. Manuel Antín – Argentina/Perú 1965
De nueva cuenta, y por última ocasión, Antín llevando a la pantalla un relato de Cortázar, ahora basándose en los relatos Continuidad de los parques y El ídolo de las Cícladas, ambos pertenecientes al libro Final del juego (1956) y en el que ya experimentaba con el entretejido de historias -consolidado 7 años después en Rayuela- y volver la lectura un enigma para el lector. La historia relata la relación entre Teresa (casada) y Mario, quienes viajan a realizar estudios arqueológicos a las ruinas de Machu Pichu en Perú y los acontecimientos derivados tras el hallazgo de un acentral ídolo tallado en piedra.
«Yo había escrito muchas cosas, y un día en una biblioteca de un amigo en una época en la que Cortázar era un escritor completamente desconocido encontré un libro de cuentos, Bestiario, en el cual descubrí y leí «Circe»…; entonces leí ese cuento, lo leí como de una panorámica rápida, como si me lo tragara de golpe. Y descubrí qué era lo que yo quería escribir. Exactamente eso. Entonces si esto es lo que yo quiero escribir, me dije, éste es el escritor que tengo que filmar».
Manuel Antín.
EL PERSEGUIDOR. Osias Wilenski – Argentina 1965
Película basada en el relato El perseguidor, publicado en 1959 en el libro Las armas secretas. Se nos narra la historia la historia de un saxofonista antisocial y con delirios de persecución que arruina su vida y se sumerge en una sociedad hipócrita consiguiendo momentos de lucidez sólo cuando interpreta su instrumento musical sin salvarse de un trágico desenlace. Esfuerzo de otro argentino por llevar al cine una historia de su connacional aunque sin la misma repercusión alcanzada por Antín.
Conocida entre el público hispanohablante como Deseo de una mañana de verano, está basado en el relato Las babas del diablo,también publicado en el compendio de Las armas secretas (1959). Nos cuenta la historia de un fotógrafo que luego de realizar algunas tomas en un parque londinense, descubre al revelarlas una forma irreconocible, la cual resulta ser un cadáver. Excelsa realización que consiguió en Cannes la Palma de Oro el año de su estreno. Como dato curioso, un cameo de Cortázar aparece escuetamente en una fotografía.
WEEK END. Jean-Luc Godard – Francia/Italia 1967
La dinámica narrativa de Cortázar, bastante similar a la empleada por Godard en sus films más emblemátivos dentro de la Nouvelle vague resultó el puente de acercamiento entre ambas talentosas personalidades y reflejada en la puesta en escena por el segundo del relato La autopista del sur, publicado en el libro Todos los fuegos el fuego (1966). Se nos expone, aprovechando como escenario un caótico embotellamiento sucedio la autopista entre Fontainebleau y París, una fábula apocalíptica y satírica del colapso de la sociedad consumista representada en una joven pareja burguesa y los personajes que van encontrando en el trayecto. Ganadora en 1969 del BAMBI Awards (reconocido premio alemán otorgado por la empresa Hubert Burda Media) en la categoría de mejor película internacional.
L’INGORGO, UN STORIA IMPOSSIBILE. Luigi Comencini – Italia 1979
Inspirada también en La autopista del surde Todos los fuegos el fuego, el director italiano aprovecha el relato para vertir una historia tragicómica sobre un embotellamiento de más de 36 horas de duración acontecido en una autopista cercana a Roma y las reacciones de un repertorio de personajes ante tal adversidad, ofreciendo un microcosmos muy sui generis reflejo de la sociedad contemporánea. Consiguió ser nominada a la Palma de Oro de Cannes el año de su estreno.
FURIA. Alexandre Aja – Francia 1999
Película de drama y ciencia ficción basada en el cuento Graffiti, relato que aparece publicado en el libro Queremos tanto a Glenda (1980), perteneciente al último período de producción literaria del autor argentino, y en el cual se nos narra la historia de una sociedad donde se vive una libertad de expresión corrompida pues si bien se puede viajar y hacer negocios con libertad está prohibida la expresión de ideas propias y el pegar carteles o escribir en los muros (también aprovechado esta historia Pako González realizó en 2005 un cortometraje disponible en Youtube).
DEPUIS QU’OTAR EST PARTI… Julie Bertuccelli – Francia 2003
Sin reconocimiento explícito de la directora, esta película relata una historia ampliamente similar a la narrada por Cortázar en La salud de los enfermos, publicado en Todos los fuegos el fuego y en la cual una anciana recibe periódicamente noticias desde su hijo (fallecido) en París, las cuales son escritas por su única nieta con la intención de no darle la fatídica noticia a su abuela hasta que las circunstancias terminan sacando a flote el engaño. Acreedora a varios reconocimientos en los diferentes festivales cinematográficos europeos en los que se presentó durante su año de estreno.
MENTIRAS PIADOSAS. Diego Sabanés – Argentina 2009
Adaptación libre por Sabanés del relato La salud de los enfermos de Julio Cortázar, publicado igual que La autopista del sur dentro del libro Todos los fuegos el fuego. La historia reseña la vida de una familia que ante la imposibilidad por cuestiones de salud de informar a la madre de la muerte de uno de sus hijos le hacen llegar cartas del mismo y en cuyo remolino terminan cayendo los involucrados. En apreciación de los especialistas, es posible descubrir referencias a otros escritos de Cortázar (Casa Tomada, Cartas de Mamá, Tía en dificultades) así como al estilo narrativo de su obra.
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De igual valía considero incluir en esta recopilación el Documental CORTÁZAR, realizado en 2004 por el argentino Tristán Bauer y disponible integramente en Yotube:
