We Need to Talk About Kevin, de Lynne Ramsay

(Nota publicada el 20/Febrero/2013 en Cinema Terraza)

Resulta un gusto para mí colaborar con esta reseña para Cinema Terraza y de este modo invitar a la presentación de la primera película en proyección: Tenemos que hablar de Kevin (We Need to Talk About Kevin, 2011), de la directora escocesa Lynne Ramsay y basada en la novela del mismo nombre autoría de Lionel Shriver, publicada en 2005.

We Need to Talk About Kevin nos narra la historia de Kevin –chico con severos problemas de conducta- en diversas etapas de su vida, y la tormentosa relación que mantiene con su madre, interpretada por Tilda Swinton (La bruja blanca de Narnia), quien asume el papel de la autoridad represora, mientras por otra parte, su padre (papel que corresponde a John Reilly, pareja de Will Ferrell en Step Brothers) resulta la figura blanda y manipulable. Para completar el cuadro está Celia (Ashley Gerasimovich) simpática hermana menor y sobre la que que Kevin ejerce maltrato físico y psicológico.

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Las interpretaciones de Jasper Newell y Ezra Miller (Patrick en la reciente Las ventajas de ser invisible) en sus papeles de Kevin niño y adolescente respectivamente son geniales, dotando la personaje de la dosis de perversidad y sabismo necesaria para mantener el ritmo de la trama, la cual tiene un desenlace inesperado y dejará helado al espectador. La cinta recaudó 16 premios en los diferentes festivales en los que participó, y consiguiendo nominaciones tanto Lynne Ramsay a la Palma de Oro (Cannes) a Mejor Director como Tilda Swinton a Mejor Actriz en los Globos de Oro, reflejo de lo bien lograda de la producción y el preciso abordaje de una problemática cada vez más manifiesta en la sociedad: los hijos tiranos.

Tenemos que hablar de Kekin no es una película fácil por la intensidad de las emociones que transmite y provoca, pero es una joya del cine que por encima de intenciones taquilleras y temátias banales vale la pena disfrutar y afrontar el merecido debate sobre la educación de los hijos que despierta.

5 Broken Cameras, de Emad Burnat

Hace un par de semanas me propuse buscar y ver las películas nominadas en la categoría a Mejor Documental para la próxima entrega del Oscar en su LXXXV edición, encontrándome entre ellas con 5 Broken Cameras, que por su temática considero oportuno reseñar.

5 Broken Cameras (2011) es narrada completamente por el palestino Emad Burnat, codirector de la película junto al israelí Guy Davidi, y nos ofrece un compendio de las filmaciones que con videocámaras caseras ha hecho desde 2005 que adquirió la primera de ellas con motivo del nacimiento de Gibreel, su cuarto y último hijo. Lo peculiar es que Emad es residente de la población de Bil’in, colindante a la discutida frontera con Israel y en la que en los últimos años se han desarrollado cruentas batallas contra la ocupación israelí de tales terrenos, y mediante sus cámaras ha capturado los difíciles momentos que sus habitantes han sorteando en la incansable lucha palestina de resistencia civil.

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El título lo recibe porque a lo largo de los años fueron 5 cámaras las que sucumbieron a los embates de las autoridades israelíes en diferentes escaramuzas, 2 de ellas salvándole la vida al amortiguar disparos dirigidos expresamente contra él. Es en 2009 cuando luego de conocer a Davidi comienza la selección del material y preparación de los guiones para el documental, contando en su recta final con la colaboración de la francesa Veronique La Goard-Segot para la edición. La historia desarrolla los eventos capturados por cada una de las cámaras, que como el mismo Emad señala, encierran etapas diferentes de su vida, en las que se fue incrementando tanto el compromiso como el riesgo de volverse periodista ciudadano, misión que no abandonó aún en los momentos de mayor apremio. A la vez resultamos testigos del crecimiento de Gibreel, y la pérdida de su inocencia al quedar atrapado en escenarios de violencia que ningún padre desearía para sus hijos.

Por tanto, mediante 5 Broken Cameras podemos conocer en primera persona los entretelones de un conflicto social que mantiene sobre él los reflectores de medios de comunicación de todo el mundo, pero con el valiosísimo matiz que se consigue al ser contado por alguien directamente afectado por él, anteponiendo su deseo de volverse portavoz de su pueblo al cuidado de su integridad física. No quiero dejar de largo la sana sorpresa que me provoca que se haya colado a la terna final de documentales nominados cuando es sabido que la comunidad judía mantiene fuerte influencia en la industria norteamericana hollywoodense. En contrapeso, vale mencionar, también se encuentra entre los 5 finalistas el documental The Gatekeepers (2012), que nos acerca la historia del Shin Bet, agencia de seguridad isaelí desde la voz de seis de su exintegrantes.

Sanar es un reto en la vida. Es la única obligación de la víctima. Sanar es resistir a la opresión. Pero cuando estoy herido una y otra vez me olvido de las heridas que controlan mi vida. Las heridas olvidadas nunca sanan, así que filmo para sanarlas.”

Y lo mejor de todo es que 5 Broken Cameras subtitulada en español está disponible en Youtube, subida por una comunidad de amigos de Vittorio Arrigoni (†), activista italiano asesinado en Gaza en 2011.

Beasts of the Southern Wild, de Benh Zeitlin

En una fecha que parecía no llegar, al fin este viernes se estrenó en México de manera comercial la fabulosa película Beasts of the Southern Wild (2012), torpemente titulada para nuestro país Una niña maravillosa. Lo de «fabulosa» pocas veces mencionado de tan atinada manera pues estamos ante la narración de una maravillosa fábula tan bien llevada a la pantalla por Benh Zeitlin (1982) en lo que es su primer largometraje.

La cinta, basada en la obra de un solo acto Juicy and Delicious de Lucy Alibar y adaptada para el cine por ella y Zeitlin, nos acerca a la vida de Hushpuppy (protagonista y narradora de la historia), pequeña de 5-6 años que vive con su padre en un barrio marginal de lo que suponemos Luisiana y el cual al verse azotado por una tormenta termina inundado, evocándonos inmediatamente la tragedia acontecida en la región tras el huracán Katrina.

Los detalles que anteceden a tal evento, el modo de sobrellevar el momento crtítico de la mismo por la pequeña, su refunfuñón y alcoholico padre y los vecinos del barrio, así como la manera de sobrevivir y empezar paulatinamente a reanudar la vida de la comunidad, alejada del asistencialismo gubernamental, son de magistral manera narrados audiovisualmente por Zeitlin, aprovechando el recurso de la imaginación infantil para transformar los hechos duros y crudos y presentarlos al espectador a través de los ojos de la protagonista como digeribles y no por ello faltos de emotividad o realismo. Basta escarbar en nuestros recuerdos infantiles para evocar la manera en la que terminábamos entendiendo tantas cosas de difícil comprensión para ponernos en lo zapatos de Hushpuppy y razonar, sufrir y llenarnos de esperanza junto con ella conforme se desarrollan los acontecimientos.

When it all goes quiet behind my eyes l see everything that made me flying around in invisible pieces. When l look too hard, it goes away. But when it all goes quiet, I see they are right here. l see that l’m a little piece of a big, big universe. And that makes things right”. Hushpuppy.

Beasts of the Southern Wild fue exhibida por primera ocasión durante el Sundance Film Festival (enero 2012) y a lo largo del año y su aparición en 25 festivales se volvió acreedora a más de 50 premios y estar nominada en 4 categorías para la 85 entrega del Oscar: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado y Mejor Actriz (siendo Quvenzhané Wallis a sus 9 años la actriz más joven en la historia de estos premios en recibir una nominación), lo cual se traduce en una excepcional acogida tanto de la crítica como de la audiencia, y digna de ser considerada como una de esas cada vez menos afortunadas películas que tienen o tienen que verse.

Beasts of the Southern Wild

Relatos de Cortázar vueltos cine

Julio Cortázar (1914-1984) es sin la menor de las dudas uno de los escritores latinoamericanos más reconocidos del siglo XX no sólo en América sino a nivel internacional. La agilidad de sus escritos así como la habilidad para hilar narraciones que rebasan la linealidad temporal y abundantes de personajes con autonomía y profundidad psicológica le colocan en un nicho especial dentro de la literatura contemporánea, sumado a lo vasto de su producción, que se extiende por casi 50 años -desde fines de la década de los ’30s hasta los primeros años de los ’80s- y abarcando diferentes géneros como el cuento, la novela, el teatro y la poesía.

En atención al 29 aniversario de su fallecimiento comparto esta reseña sobre 10 películas filmadas a partir de relatos de Cortázar, podríamos considerarlas de manera subjetiva como las más destacadas, si bien es posbile conocer en IMDB el repertorio completo de películas, cortos y programas para tv que han utilizado como fuente e inspiración para su realización la prolífera obra del eternamente recordado escritor argentino.

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LA CIFRA IMPAR. Manuel Antín – Argentina 1962

Basada en Cartas de mamá, relato publicado por vez primera en 1959 dentro del libro de cuentos Las armas secretas. Narra la historia de un hombre que se casa con la novia de su hermano menor y huye con ella a París; tras la muerte de éste la madre les envía cartas vaticinando la visita de su hijo difunto. Reconocida por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina con el Cóndor de Plata al Mejor Director uno año después de su estreno.

CIRCE. Manuel Antín – Argentina 1964

Basado en el relato del mismo nombre publicado en Bestiario (1951), primer libro de cuentos del escritor argentino y considerados por él como autoterapias de tipo psicoanalítico. Se nos relata la historia de un hombre enamorado de una mujer (Circe, emulando al personaje de la mitología griega), unos años mayor que él y con mala reputación debido a la muerte repentina de sus dos novios anteriores, que consigue entrar en su vida y develar sus enigmas. Para este film el mismo Cortázar se encargó de la adaptación del guión.

INTIMIDAD DE LOS PARQUES. Manuel Antín – Argentina/Perú 1965

De nueva cuenta, y por última ocasión, Antín llevando a la pantalla un relato de Cortázar, ahora basándose en los relatos Continuidad de los parques y El ídolo de las Cícladas, ambos pertenecientes al libro Final del juego (1956) y en el que ya experimentaba con el entretejido de historias -consolidado 7 años después en Rayuela- y volver la lectura un enigma para el lector. La historia relata la relación entre Teresa (casada) y Mario, quienes viajan a realizar estudios arqueológicos a las ruinas de Machu Pichu en Perú y los acontecimientos derivados tras el hallazgo de un acentral ídolo tallado en piedra.

«Yo había escrito muchas cosas, y un día en una biblioteca de un amigo en una época en la que Cortázar era un escritor completamente desconocido encontré un libro de cuentos, Bestiario, en el cual descubrí y leí “Circe”…; entonces leí ese cuento, lo leí como de una panorámica rápida, como si me lo tragara de golpe. Y descubrí qué era lo que yo quería escribir. Exactamente eso. Entonces si esto es lo que yo quiero escribir, me dije, éste es el escritor que tengo que filmar».

Manuel Antín.

EL PERSEGUIDOR. Osias Wilenski – Argentina 1965

Película basada en el relato El perseguidor, publicado en 1959 en el libro Las armas secretas. Se nos narra la historia la historia de un saxofonista antisocial y con delirios de persecución que arruina su vida y se sumerge en una sociedad hipócrita consiguiendo momentos de lucidez sólo cuando interpreta su instrumento musical sin salvarse de un trágico desenlace. Esfuerzo de otro argentino por llevar al cine una historia de su connacional aunque sin la misma repercusión alcanzada por Antín.

BLOW-UP. Michelangelo Antonioni – Italia/Inglaterra 1966

Conocida entre el público hispanohablante como Deseo de una mañana de verano, está basado en el relato Las babas del diablo, también publicado en el compendio de Las armas secretas (1959). Nos cuenta la historia de un fotógrafo que luego de realizar algunas tomas en un parque londinense, descubre al revelarlas una forma irreconocible, la cual resulta ser un cadáver. Excelsa realización que consiguió en Cannes la Palma de Oro el año de su estreno. Como dato curioso, un cameo de Cortázar aparece escuetamente en una fotografía.

WEEK END. Jean-Luc Godard – Francia/Italia 1967

La dinámica narrativa de Cortázar, bastante similar a la empleada por Godard en sus films más emblemátivos dentro de la Nouvelle vague resultó el puente de acercamiento entre ambas talentosas personalidades y reflejada en la puesta en escena por el segundo del relato La autopista del sur, publicado en el libro Todos los fuegos el fuego (1966). Se nos expone, aprovechando como escenario un caótico embotellamiento sucedio la autopista entre Fontainebleau y París, una fábula apocalíptica y satírica del colapso de la sociedad consumista representada en una joven pareja burguesa y los personajes que van encontrando en el trayecto. Ganadora en 1969 del BAMBI Awards (reconocido premio alemán otorgado por la empresa Hubert Burda Media) en la categoría de mejor película internacional.

L’INGORGO, UN STORIA IMPOSSIBILE. Luigi Comencini – Italia 1979

Inspirada también en La autopista del sur de Todos los fuegos el fuego, el director italiano aprovecha el relato para vertir una historia tragicómica sobre un embotellamiento de más de 36 horas de duración acontecido en una autopista cercana a Roma y las reacciones de un repertorio de personajes ante tal adversidad, ofreciendo un microcosmos muy sui generis reflejo de la sociedad contemporánea. Consiguió ser nominada a la Palma de Oro de Cannes el año de su estreno.

FURIA. Alexandre Aja – Francia 1999

Película de drama y ciencia ficción basada en el cuento Graffiti, relato que aparece publicado en el libro Queremos tanto a Glenda (1980), perteneciente al último período de producción literaria del autor argentino, y en el cual se nos narra la historia de una sociedad donde se vive una libertad de expresión corrompida pues si bien se puede viajar y hacer negocios con libertad está prohibida la expresión de ideas propias y el pegar carteles o escribir en los muros (también aprovechado esta historia Pako González realizó en 2005 un cortometraje disponible en Youtube).

DEPUIS QU’OTAR EST PARTI… Julie Bertuccelli – Francia 2003

Sin reconocimiento explícito de la directora, esta película relata una historia ampliamente similar a la narrada por Cortázar en La salud de los enfermos, publicado en Todos los fuegos el fuego y en la cual una anciana recibe periódicamente noticias desde su hijo (fallecido) en París, las cuales son escritas por su única nieta con la intención de no darle la fatídica noticia a su abuela hasta que las circunstancias terminan sacando a flote el engaño. Acreedora a varios reconocimientos en los diferentes festivales cinematográficos europeos en los que se presentó durante su año de estreno.

MENTIRAS PIADOSAS. Diego Sabanés – Argentina 2009

Adaptación libre por Sabanés del relato La salud de los enfermos de Julio Cortázar, publicado igual que La autopista del sur dentro del libro Todos los fuegos el fuego. La historia reseña la vida de una familia que ante la imposibilidad por cuestiones de salud de informar a la madre de la muerte de uno de sus hijos le hacen llegar cartas del mismo y en cuyo remolino terminan cayendo los involucrados. En apreciación de los especialistas, es posible descubrir referencias a otros escritos de Cortázar (Casa Tomada, Cartas de Mamá, Tía en dificultades) así como al estilo narrativo de su obra.

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De igual valía considero incluir en esta recopilación el Documental CORTÁZAR, realizado en 2004 por el argentino Tristán Bauer y disponible integramente en Yotube:

Referencias:

Nominanciones Película Extranjera Oscar 2013

Comienzo esta reseña sobre las cintas nominadas al Oscar en la categoría de Mejor película extranjera para la próxima edición de estos premios haciendo, antes que otra cosa, extensivo mi desencanto porque la participante por Francia: Intouchables (2011), no consiguió colarse entre la terna de 4 finalistas que el próximo 24 de febrero estarán disputándose junto a la austriaca Amour el «tan preciado» galardón.

Y «disputando» en cuanto no perder sentido al aspecto competitivo que envuelve el evento, ya que desde su estreno y respectivas premiaciones en una variedad de festivales, Amour está considerada para llevarse sin ningún contratiempo la estatuilla. De ser así, ¿Hasta qué punto lo conseguirá por ser mejor (con lo subjetivo que tal adjetivo implica) que el resto de las competidoras, o influirá para ello el apellido y respetable fama que precede a su realizador?

No es mi propósito influenciar la opinión del lector, pero sin duda es un aspecto que no pueden pasarse de largo cuando entre los films involucrados se encuentra el dirigido por un personaje del cine de la magnitud del austriaco (si bien nacido en Munich, Alemania) Michael Haneke. Situación similar, para entender que no es un fenómeno aislado, se atraviesa en esta 85 entrega del Oscar en las categorías a Mejor película en la cual la película Lincoln, y Steven Spielberg –nominado a Mejor director- son señalados de antemano como favoritos para llevarse tales distinciones.

Abonado lo anterior al debate, procedo a una modesta reseña y opinión (#spoilersfree) sobre las películas participantes en la categoría arriba mencionada en estricto orden alfabético.

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AMOUR, Michael Haneke – Austria 2012

Historia sobre la vida cotidiana de una pareja de ancianos (magistralmente interpretados por los iconos del cine francés Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, quien de paso consiguió nominación a Mejor actriz), llevada a la pantalla por Haneke con tal nitidez y realismo que provocó desde sus primeras presentaciones (la primera entre todas, Cannes, ganando nada menos que la Palma de Oro) una serie de aclamos al apostar por una temática poco explotada en la cinematografía contemporánea, si bien de contar con un poco de memoria cinéfila encontraremos en Away from Her (2006) de la canadiense Sarah Polley un reciente ejercicio similar.

Con un historial en el oficio de más de 15 años que lo respalda (desde la polémica pero multilaureada Funny Games, 1997) y otros 20 años antes de ello en la dirección de programas y cine para tv en Austria, a opinión de entendidos en la materia, es Amour la cinta con la que Haneke consigue consagrarse en el cine comercial y ser conocido a nivel masivo, más allá de los entusiastas del así denominado «cine de arte». La película transcurre a un ritmo lento, por momentos asfixiante, pero sin detenerse hasta la consumación de los hechos que en ella se narran. En 127 minutos se narra, escena tras escena, esa otra cara del amor, el que se experimenta durante la vejez, a la que no estamos acostumbrados ser expuestos y por tanto es natural despierte una variedad de emociones encontradas en el espectador.

Confieso acumulaba un alto grado de expectativas por los comentarios respecto a la cinta compartidos por personas de quien aprecio sus opiniones sobre cine, y al terminar de verla me percibí con esa rara sensación de «esperaba algo más», que bien entiendo queda recluida en el rincón de mis más subjetivas apreciaciones. Me sigo quedando con Caché (con la maravillosa combinación en la pantalla de mis adorados Daniel Auteuil y Juliette Binoche) y La pianiste como mis películas favoritas de Haneke, y con pesar anticipo Amour se llevará la estatuilla en esta categoría (está nominada también a Mejor Película y Haneke a Mejor director y guionista), coronando del tal manera -y sirviendo de paso como homenaje a- la brillante trayectoria del talentoso Michael.

 

EN KONGELIG AFFÆRE, Nikolaj Arcel – Dinamarca 2012

Conocida como A Royal Affair, esta historia nos relata la relación amorosa desarrollada a mediados del siglo XVIII entre Carolina Matilde, esposa de Christian VII (rey de Dinamarca), y el doctor y consejero de éste, Johann Friedrich Struensee, alemán de ideas progresistas, quien aprovechando su posición en la corte anima al soberano danés a implementar reformas en beneficio del pueblo y que desequilibran el statu quo de los nobles de la época, que terminan confabulando en su perjuicio.

La película fue exhibida por vez primera en el Festival Internacional de Cine de Berlín (Febrero 2012) agenciándose el Oso de Plata en las categorías de Mejor guión y Mejor actor, merecido reconocimiento al trabajo de Mikkel Boe Følsgaard en su papel de Christian VII, si bien el peso histriónico del film recae sobre Mads Mikkelsen, que ayudado de su personalidad y experiencia (protagonista del muy aplaudido y reciente film de Thomas Vinterberg, Jagten) brindan a En kongelig affære de los elementos suficientes para mantener la atención del espectador por 137 minutos, además de su estupenda ambientación.

Sin embargo, me resulta la película con menos merecimientos para estar en la terna final de nominadas, y la que llegó hasta tal lugar porque Untouchables debía de no llegar (Fernanda Solórzano en su reseña sobre la misma condensa el por qué la falta de buena recepción de este mágnífico film francés entre la audiencia y crítica norteamericana). Lamento desahogar contra ella el visceral sentimiento de decepción que anticipé al comienzo de esta reseña, lo que no demerita su calidad y que resulte de la simpatías de muchos (programado su estreno en México el 1 de marzo) al ser la típica película de amor por encima de las adversidades, «telenovelesco», parafraseando a Miguel Cane.

 

KON-TIKI, Joachim Rønning y Espen Sandberg – Noruega 2012

Sorprendente película basada en la historia real del noruego Thor Heyerdahl y su expedición en 1947 junto a cinco aventureros más a través del Océano Pacífco a bordo de una balsa de madera, zarpando desde un puerto peruano y recorriendo 7,000 kms. de distancia hasta las islas Tuamotu, Polinesia, comprobando de tan osado modo su teoría de la migración de población sudamericana a esta región del planeta en épocas precolombinas.

Heyerdahl (personaje y sucesos por mí desconocidos hasta ver esta película) publicó las memorias de su viaje en un libro: Kon-Tiki, nombre con el que fue bautizada la balsa utilizada para la travesía, y en 1951 la película filmada durante el recorrido se adjudicó el Oscar a mejor documental. Los primeros encuentros de Heyerdahl con tribus polinésicas, el trabajo que le llevó sacar adelante tal proyecto -con el peculiar modo con el que terminó consiguiendo financiación- así como el sin fin de peripecias atravesadas por la tribulación durante los 101 días de recorrido son magistralmente acercados hasta el espectador de manera tan dinámica y disfrutable que no puedes terminar sino sintiéndose uno más en la balsa y hermanado emocionalmente con los protagonistas.

Si bien la voz cantante del film reace sobre Pål Sverre Valheim Hagen en su papel de Thor Heyerdahl y lider de la expedición, ninguno de los actores demerita, además del refresco visual que resulta la participación de Agnes Kittelsen y sus apariciones interpretando a la esposa de Heyerdahl. Kon-Tiki lamentablemente ha pasado un tanto desapercibida al no desfilar por los festivales de cine de renombre (se estrenó apenas el pasado 24 de agosto en el Festival internacional de cine de Noruega consiguiendo el Premio del público) y de no figurar Amour en la terna de nominadas sin duda la consideraría seria candidata a conseguir el premio.

 

NO, Pablo Larraín – Chile 2012

Con guión de Pedro Peirano y basada en las vivencias de René Saavedra, publicisita chileno y principal artífice de la campaña a favor del NO para el plebiscito convocadado para octubre de 1988 por Augusto Pinochet en favor o en contra de su permanencia en el poder, y que como la historia ilustra, resultó ganadora.

La historia narra con tremenda agilidad (considerando la temática) los pormenores atravesados por el conjunto de creativos encabezados por Saavedra, protagonizado con suficiente elocuencia por Gael García, para convencer en mayor o menor medida a los representantes de 20 partidos y movimientos agrupados en el NO de la necesidad de una campaña fresca, propositiva y esperanzadora, alejada en lo posible del machacamiento de las desgracias atravesadas en el país durante los 16 años de instauración del régimen militar impuesto por Pinochet, y aprovechar, a su vez, de la mejor manera posible la franja televisiva de 15 minutos diarios disponible para publicidad de ambas propuestas durante el mes de campaña.

La cinta comenzó con el pie derecho su repertorio de exhibiciones presentándose en Cannes y consiguiendo el honorario premio otorgado por la CICAE (Confédération Internationale des Cinémas d’Art et d’Essai), y posteriormente el Premio del público del Festival Internacional de cine de São Paulo en octubre pasado. La simpatía y «buen rollo» que provocan tanto los protagonistas como la causa que enarbolan son elementos que le han servido para colarse hasta la ceremonia a desarrollarse el próximo 24 de febrero en el Dolby Theatre de Hollywood, lo cual resulta más que merecido reconocimiento al trabajo de Larraín (director del también muy aplaudido film Tony Manero) y compañía.

 

REBELLE, Kim Nguyen – Canadá 2012

Escalofriante, conmovedora y atrevida película del director y guionista Kim Nguyen, que nos sumerge en las entrañas de lo que podría ser cualquier país africano azotado por la guerra civil para pasar de ser testigos a involucrarnos en la historia de Komona, adolescente de 14 años, embarazada y secuestrada en calidad de ‘amuleto’ por un lider de la guerrilla local.

Komona nos narra en primera persona los sucesos por los que ha atravesado desde un par de años antes, cuando los guerrilleros llegaron a su aldea para proveerse de la materia humana prima necesaria para seguir alimentando sus filsas, así como las rudas sesiones de entrenamiento y escaramuzas por atravesar como parte de la supervivencia, peleando una batalla que no quiere y madurando, como miles de niños y jóvenes en esta región del mundo, a golpe de sangre propia y ajena.

Sin resultar un documental, la narración audiovisual es tan apegada a los hechos que intimida, más Nguyen ofrece cátedra de dirección al dotar a la misma de la dosis adecuada de humanidad que te permite sobrellevar la tragedia que contemplas y acompañar a Komona tanto las calamidades que padece como en las pequeñas alegrías y reflexiones que el acontecer de los hechos le suscita. Valiente propuesta (estrenada en el Festival Internacional de Cine de Berlín en el que consiguió especial mención por parte del Jurado ecuménico y su protagonista Rachel Mwanza el Oso de Plata a Mejor actriz) que rebasa estereotipos y nos permite seguir considerando al cine como un instrumento no sólo de entretenimiento popular sino también para evidenciar las injusticias y arbitrariedades de las que de otro modo terminaríamos ignorando. Basten estas palabras para considerarla, junto a Kon-Tiki, digna merecedora de la estatuilla.

 

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Sirvan mis opiniones anteriores para incentivar el gusto por el cine más allá de la avalancha de produccciones norteamericanas a las que siendo frontera con Estados Unidos nos vemos permanentemente expuestos. Todas las cintas están disponibles en Internet, tanto los torrents para su descarga (TPB) como los subtítulos (en subdivx) así que no hay pretexto para que llegue el 24 de febrero sin haberlas disfrutado.